“Always the eyes watching you and the voice enveloping you. Asleep or awake, working or eating, indoors or out of doors, in the bath or in bed — no escape. Nothing was your own except the few cubic centimetres inside your skull.” — George Orwell. 1984
Ieri notte stavo leggendo alcune pagine del numero di The Wire (http://www.thewire.co.uk/) di questo novembre e sono venuto a conoscenza del No Music Day che si celebra il 21 novembre dal 2005 ed e’ parte di un piano quinquennale. Mi sembra di capire dai messaggi lasciati sul sito http://www.nomusicday.com/ che la maggior parte della gente non ha aderito all’iniziativa, per vari motivi che sono riportati nei commenti dei vari visitatori (vedi sotto: statements for 2007); io non ero a conoscenza del No Music Day (e sono andato al Festival Dei Popoli a vedere due film della sezione filmare la musica fra l’altro molto interessanti: The cycles of the mental machine e Llik your idols; inoltre, come di consueto, ho ascoltato vari LP e composto delle musiche con il pc), ma l’iniziativa sembra interessante se non altro perche’ ti da la possibilita’ di esprimere un parere con un messaggio fruibile da tutti gli utenti del sito. Oggi 22 novembre si festeggia Santa Cecilia, patrona della musica.
Statements for 2007: 1 –
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I
am (or am not) observing No Music Day because: I acknowledge the need
to silence the infernal music continually circling my mind
I
will (or will not) be observing No Music Day by: spending the day much
as usual – I have a kind of music autism so I have to remind myself to
listen to it at the best of times – a no visual stimulation day would
be far more of a challenge for me
Leah Gordon
21/11/2007
I
am (or am not) observing No Music Day because: i have become repulsed
by music. it no longer interests me. no longer excites me.
I
will (or will not) be observing No Music Day by: making no effort to
hear music and thinking about how i can find a way to appreciate music
somehow
Survey of Society
21/11/2007
I am (or am not) observing No Music Day because: I love music.
I
will (or will not) be observing No Music Day by: hearing only the
aching silence that lurks beneath the cruddy radio 2 MOR with which I
am plagued by my work colleagues. Maybe the cold breath of an M62 east
wind will whistle, and drown out all that mogadon pop.
Mark the Spark
21/11/2007
I
am (or am not) observing No Music Day because: have you ever driven a
long distance exhausting your cd collection, and come to a point were
you turn the radio off and reval in the complete silence?
I
will (or will not) be observing No Music Day by: Listening to the
natural sounds of everyday life, a baby lauphing, a bird singing, rain
Al Leyva
21/11/2007
I
am (or am not) observing No Music Day because: unless you lock yourself
away in a padded cell or live on a desert island,it is virtually
impossible.
Deppo
21/11/2007
I am (or am not) observing No Music Day because: resistance is funky.
I
will (or will not) be observing No Music Day by: actively resisting the
impulse to listen to the music i cannot help hearing in my daily
activities.
stEvil
21/11/2007
I
am (or am not) observing No Music Day because: Music in its common mode
as ubiquitous background sound loses its potency, its ability to
delight. By shutting it down for a day, it can return with some
restored luster.
I will (or will not) be
observing No Music Day by: I heard about NO MUSIC DAY on an NPR
interview today, Nov 20, and decided on the spot to observe it as best
I can. The interviewer missed the point when she asked ‘should I wish
you happy NO MUSIC DAY?’ No, you should not. You should say ‘happy St
Cecilia day’, and recognize the no music fast as a way to purify
oneself for the return of music.
È quanto mai incerto il motivo per cui Cecilia sarebbe diventata
patrona della musica. In realtà, un esplicito collegamento tra Cecilia
e la musica è documentato soltanto a partire dal tardo Medioevo. La
spiegazione più plausibile sembra quella di una errata interpretazione
dell’antifona di introito della messa nella festa della santa (e non di un brano della Passio come talvolta si afferma). Il testo di tale canto in latino sarebbe: "Cantantibus
organis, Cecilia virgo in corde suo soli Domino decantabat dicens: fiat
Domine cor meum et corpus meum inmaculatum ut non confundar"
("Mentre suonavano gli strumenti musicali (?), la vergine Cecilia
cantava nel suo cuore soltanto per il Signore, dicendo: Signore, il mio
cuore e il mio corpo siano immacolati affinché io non sia confusa").
Per dare un senso al testo, tradizionalmente lo si riferiva al
banchetto di nozze di Cecilia: mentre gli strumenti musicali (profani)
suonavano, Cecilia cantava a Dio interiormente. Da qui il passo ad una
interpretazione ancora più travisata era facile: Cecilia cantava a
Dio… con l’accompagnamento dell’organo! Si cominciò così, a partire dal XV secolo (nell’ambito del Gotico cortese) a raffigurare la santa con un piccolo organo portativo a fianco.
In realtà i codici più antichi non riportano questa lezione dell’antifona (e neanche quella che inizierebbe con Canentibus, sinonimo di Cantantibus), bensì Candentibus organis, Caecilia virgo….
Gli "organi", quindi, non sarebbero affatto strumenti musicali, ma gli
strumenti di tortura, e l’antifona descriverebbe Cecilia che "tra gli
strumenti di tortura incandescenti, cantava a Dio nel suo cuore".
L’antifona non si riferirebbe dunque al banchetto di nozze, bensì al
momento del martirio.
Dedicato alla santa, nel XIX secolo sorse il cosiddetto Movimento Ceciliano,
diffuso in Italia, Francia e Germania. Vi aderirono musicisti,
liturgisti e altri studiosi, che intendevano restituire dignità alla
musica liturgica sottraendola all’influsso del melodramma e della musica popolare. Sotto il nome di Santa Cecilia sorsero così scuole, associazioni e periodici.
Nella teoria musicale il tritono è l’intervallo di quinta diminuita (o anche quarta aumentata o quarta eccedente): tra una nota e l’altra c’è una distanza di tre toni. Il tritono è anche la metà esatta di una ottava. Questo intervallo è una delle maggiori dissonanze della scala diatonica, e durante il medioevo era chiamato diabolus in musica. Il suono del tritono tende fortemente verso la risoluzione di una progressione.
Sostituzione di tritono
Nella musica jazz la sostituzione di tritono consiste nel sostituire, normalmente nell’ ambito di una progressione ii-V-I, un accordo di settima di dominante (che può anche comparire con la quinta e/o la nona alterate) con un altro accordo di settima avente la tonica distante tre toni dalla tonica dell’accordo precedente.
Per esempio in Do maggiore l’accordo di dominante è il Sol7, che può essere sostituito dal suo tritono Reflat7.
Le ragioni alla base di questa sostituzione sono diverse:
* La principale sta nell’osservare che i due accordi hanno la stessa terza e settima, ma in ordine inverso (nell’esempio Sol-Si-Re-Fa e Reflat-Fa-Laflat-Si) e il terzo e il settimo grado di un accordo sono considerati molto caratterizzanti.
* La fondamentale e la quinta nell’accordo sostituito (nell’esempio, Sol e Re) sono rispettivamente la quarta aumentata e la 9b dell’accordo di rimpiazzo, e la stessa relazione , vale per la fondamentale e la quinta di quest’ultimo rispetto al precedente.
* Se uno dei due accordi è alterato (con quinta e nona aumentate o con quinta aumentata e nona bemolle) si può usare – melodicamente – la stessa scala (lidia aumentata) su entrambi gli accordi, ad esempio:
* La sostituzione nella cellula II-V-I permette al basso di eseguire la progressione Re-Reflat-Do ad intervalli discendenti di un semitono, che è molto comune.
Questa sostituzione è diventata così frequente nel jazz moderno che viene spesso effettuata anche su accordi di dominante che non compaiono nel contesto di una progressione ii-V-I.
The Devil’s Chord
Exploring the history of the tritone
By Brian Allan
July 2006
The tritone or ‘Devil’s Chord’ – a musical interval, such as the augmented fourth, spanning three whole tones – has a long musical history of links to diabolism, from the Church’s wholesale banning of it in the Middle Ages, through the Romantic era, blues and jazz, to modern film music and death metal.
Before the proscription of the interval it was, according to Professor John Deathridge, King Edward Professor of Music at King’s College London, often used to represent the presence of evil: "In mediæval theology, you have to have some way of presenting the devil. Or if someone in the Roman Catholic Church wanted to portray the crucifixion, it is sometimes used there." Later, though, it came to be seen as a dissonance, and was outlawed, says Deathridge, on technical grounds in which, perhaps, a theological ban can also be read.
Romantic portrayals of evil – particularly in the works of Wagner – brought the tritone’s tension-inducing power to the musical fore, and modern musicians – from film composer Bernard Hermann to seminal ‘metal’ act Black Sabbath – have drawn on these associations to add a spooky atmosphere to their own work. Sabbath’s guitarist Tony Iommi denies making conscious use of the ‘Devil’s Interval’, claiming that he was just looking for "something that sounded right… something that sounded really evil and very doomy."
The genre’s love affair with the tritone is examined in a new film about the history of heavy metal, A Headbanger’s Journey (see http://www.metalhistory.com). BBC News, 28 Apr 2006
Liszt – Dante Sonata
Wagner – Gotterdammerung
Sibelius – Fourth Symphony
Britten – War Requiem
Leonard Bernstein – West Side Story
Bernard Hermann – The Day the Earth Stood Still
Jimi Hendrix – Purple Haze
Black Sabbath – Black Sabbath
King Crimson – Larks’ Tongues in Aspic
Rush – YYZ
Metallica – For Whom the Bell Tolls
Danny Elfman – The Simpsons Theme
L.O.S.D. "Organic 23"; disco in vinile 5 pollici e copertina
Questo post e’ dedicato ai pionieri dell’hip hop del turntablism e dello scratch: Kool DJ Herc, Afrika Bambaataa, Grandwizzard Theodore, Grandmaster Flash, Grandmixer DST (AKA DXT), Charlie Chase, Red Alert, Scott La Rock (RIP), Jam Master Jay (RIP), Eric B, Terminator X, Steve D, DJ Qbert, the X-ecutioners, DJ Craze, A-trak, Mix Master Mike.
Spulciando le pagine della rete ho trovato questo articolo che avvisa i collezionisti di vinile di NON FARE COSA FANNO I DJ con i dischi (vedi titolo dell’articolo). Mi sembrava divertente pubblicare l’articolo e dedicarlo a tutti i dj, agli skratcher, ai turntablist e a tutti quelli che cercano dspingere l’idea del giradischi come strumento musicale. In effetti è vero che la pratica dello scratch rovina inevitabilmente il supporto vinilico, ma si puo’ ovviare a questo inconveniente in vari modi:
1: usare delle puntine con punta sferica o ellissoide (io uso le ortofon concorde perche’ mi trovo bene, non per fare pubblicità, ma hanno un suono pulito e soppoortano bene l’usura provocata da scratch ed altre manipolazioni)
2: non caricare troppo peso sulla puntina del giradischi (3 grammi di peso bastano per non far saltare la puntina e non consumare troppo il solco; attenzione a bilanciare bene il contrappeso)
3: non essere grossolani e non avere la mano pesante quando si manipola il vinile sul giradischi, cercando di non far saltare lo stilo (puntina)
4: usare dischi appositamente creati per lo scratch e i turntablist che generalmente hanno solchi piu’ profondi dei normali dischi (dipende anche dal formato e dalla velocita’ di rotazione 16, 33, 45 o 78, piu’ alta e’ la velocita’ di rotazione piu’ il solco e’ profondo, in teoria) il che fa si’ che il suono non perda le sue caratteristiche e duri un po’ di piu’ anche se sottoposto alle sollecitazioni tipiche dello scratching. I suddetti vinili, chiamati battle breaks o scratch tools o piu’ semplicemente tools (arnesi, attrezzi, strumenti), sono reperibili in qualsiasi negozio di dischi specializzato per i DJ oppure via internet, e ne esistono a centinaia anche sul mercato italiano
5: procurarsi piu’ copie di un vinile che usate spesso in modo da avere una copia di riserva se il suono perde le sue caratteristiche e la sua dinamica originale (gia’ dopo pochi ascolti si ha una perdita quantificabile in kilohertz sulle alte frequenze*) o viene accidentalmente graffiato; inoltre con due copie identiche si possono fare cose che sono impossibili con una sola (per esempio il break beat, ovvero creare un beat prolungando indefinitamente un break di batteria).
*
da wikipedia: "La RIAA ha quantificato la riduzione alle alte frequenze in base al numero di ascolti e sarebbero udibili: fino a 20 kHz dopo un ascolto, 18 kHz dopo tre ascolti, 17 kHz dopo cinque ascolti, 16 kHz dopo otto, 14 kHz dopo quindici, 13 kHz dopo venticinque, 10 kHz dopo trentacinque, 8 khz
dopo ottanta ascolti. Il degrado può aumentare, se si ascolta il vinile
ripetutamente in rapida successione. L’enorme pressione dello stilo
sulle pareti del solco, equivalente a circa una tonnellata per
centimetro quadro per ogno grammo di peso in una scala microscopica,
causa una deformazione delle pareti del solco generata dal calore e la
conseguente distorsionesonora."
This post is dedicated to the pioneers of hip hop music of turntablism
and scratch: Kool DJ Herc, Afrika Bambaataa, Grandwizzard Theodore,
Grandmaster Flash, Grandmixer DST (AKA DXT), Charlie Chase, Red Alert,
Scott La Rock (RIP) Jam Master Jay (RIP), Eric B, Terminator X, Steve
D, DJ Qbert, the X-ecutioners, DJ Craze, A-trak, Mix Master Mike.
Reading the web pages, I found this article that warns
vinyl collectors to DON’T DO WHAT YOU SEE DJS DOING with records (see title of the
article). I publish it beacause it seemed fun at the fact that I do dj sets for over
11 years and in fact it must be said that the practice of scratching
inevitably ruins vinyl supports , but you can avoid this problem in
various ways:
1: use a needle with spherical or ellipsoid stylos tip (I use ortofon concorde because is good for me, but there’s also anternatives to it, i believe)
2: do not load too much weight on the turntable arm (3 grams of weight
enough to prevent needle skipping and not consume the groove too much; be careful
balancing the arm counterweight)
3: do not be coarse and do not be heavy-handed when handling the record on the turntable, trying not to skip the needle while scratching
4: use records specially created for scratching and turntablists who
generally have deeper grooves than normal records (also depends on
the size and speed of rotation 16, 33, 45 or 78, the highest is
the speed of rotation the most the groove is deep, in theory), which means
that the sound does not lose its dynamics even when
subjected to the typical stresses of the scratching techniques. These records,
called battle breaks or scratch tools or more simply tools, are available in any record store designed for DJs or via
the Internet, and there are hundreds in stores
5:
obtain more copies of a record you use often in order to have a backup
copy if the sound loses its features and its dynamic original (already
after a few listenings there is a quantifiable loss in high
frequencies kilohertz*) or if it’s accidentally scratched; also with two
identical copies you can do things that are impossible with one (for
example, break beat, to make a beat or create a break indefinitely prolonging drums breaks).
* from Wikipedia: "The RIAA has quantified the
reduction of high frequencies based on the number of hearings and would
be audible up to 20 kHz after a hearing, 18 kHz after three hearings,
17 kHz audience after five, 16 kHz after eight, 14 after fifteen kHz,
13 kHz after a twenty-five, 10 kHz after thirty-five, 8 kHz after eighty hearings. degradation may increase if you listen to the vinyl
repeatedly in rapid succession. enormous pressure of the stylus on the
walls of the groove, equivalent to about a ton per cm square for each gram weight in a microscopic scale, causes a deformation of the
walls of the wake created by the heat and the resulting distortion
of sound."
Record Care
Written by Administrator
Thursday, 31 August 2006
Forum discussion
Hardware related
1- clean your LPs preferrably using a record cleaning machine or at least
manually with a good brush and cleaning solution.
2- clean your LPs prior to their first play to remove mold release
compound. Use a special deep cleaner that removes mold release compound.
This will help prevent pops and clicks.
3- use a good support system for your turntable. Some suggestions are a
wall-mounted shelf, a good rack, and/or a rack with a specialty platform
such as a Neuance platform.
4- Use a better inner sleeve than those usually provided.
Nagaoka and Mobile Fidelity sleeves are reccommended.
Many people also prefer plain white rice paper sleeves.
5- Store your records tidily and vertically.
Partitions about a foot square are good.
6- Use a good turntable and cartridge/needle. Worn needles, or where there
is too much or too little weight resting on the record can all damage it. A regular
service of your TT is not a bad idea also, both for protecting them and for
getting the best sound quality out of them.
7- Don’t leave finger prints on your records.
They leave greasy smudges and attract dust. Try and use the edges and the labels to hold
your records. Don’t do what you see DJs doing!!
Can I Get An Amen? is an audio installation that unfolds a critical perspective of perhaps the most sampled drum beat in the history of recorded music, the Amen Break. It begins with the pop track Amen Brother by 60’s soul band The Winstons, and traces the transformation of their drum solo from its original context as part of a ‘B’ side vinyl single into its use as a key aural ingredient in contemporary cultural expression. The work attempts to bring into scrutiny the techno-utopian notion that ‘information wants to be free’- it questions its effectiveness as a democratizing agent. This as well as other issues are foregrounded through a history of the Amen Break and its peculiar relationship to current copyright law.
